Le musée en mouvement

Récemment restaurées, quatre œuvres inachevées de Pierre Puvis de Chavannes, originellement destinés à la décoration du Panthéon de Paris, sont désormais exposées salle 59.

A partir des années 1860, Pierre Puvis de Chavannes crée plusieurs grands décors muraux qui lui valent une renommée internationale. Parmi ces réalisations figurent des ensembles pour le Panthéon dont le thème commun est la vie de sainte Geneviève.
Avant de devenir un Panthéon dédié à toutes les gloires de la France, le monument fut en effet l’église Sainte-Geneviève, et cette affection première, associant l’église voulue par Louis XV à la patronne de Paris, teinte une partie du cycle pictural que la IIIe République commande à de nombreux artistes pour orner le temple abritant la mémoire de ses héros.

Puvis de Chavannes livre tout d'abord, en 1878, deux décorations consacrées à L'Enfance de sainte Geneviève et à La Rencontre de sainte Geneviève et de saint Germain. Pour une nouvelle commande reçue en 1893, il peint trois panneaux sur le thème de Sainte Geneviève ravitaillant Paris assiégé, qui devaient être surmontés par une frise. Mais sa mort, en 1898, interrompt ce travail.

Les cartons préparatoires à cette frise représentant des saints ont été laissés inachevés par l’artiste. Leur état permet de comprendre son processus de travail : mise au carreau, dessin au fusain et à la sépia, puis coloration au lavis et peinture.
L'exécution finale de cette partie du décor a finalement été confiée au peinte Victor Koos, ancien assistant de Puvis qui se chargera, au début des années 1920, de traduire le dessein de son maître sur les murs du Panthéon.

 

Le Meneur de Cheval de Pablo Picasso, prêt exceptionnel du Museum of Modern Art de New-York, est présenté pour la première fois aux côtés d'un chef-d'oeuvre des collections du musée d'Orsay, Le Cheval Blanc de Paul Gauguin (niveau médian, salle 70).

L'oeuvre de Paul Gauguin est l'une des sources d'inspiration majeures de Picasso au début de l'année 1906. Dans cette grande toile, préparée par de nombreuses études, le jeune Picasso se mesure à la ligne claire d'Ingres, tout en faisant clairement référence aux toiles tahitiennes de Gauguin : de même que Le Cheval blanc trouve son aboutissement dans le thème des Cavaliers sur la plage chez Gauguin (1902, Museum Folkwang, Essen), ce Meneur de Cheval est une variation sur le thème de l'Abreuvoir que décline alors Picasso.

La toile de Picasso sera présentée dans l'exposition "Picasso. Bleu et rose" organisée au musée d'Orsay à partir du 18 septembre 2018 et coproduite avec le musée national Picasso-Paris.

Depuis le début de l'année 2018, la nef du musée d'Orsay accueille un important dépôt de la Fondation Napoléon : l'étude en plâtre de Napoléon Ier, législateur, du sculpteur Eugène Guillaume (1822-1905).

En 1860, le prince Napoléon (1822-1891), fils de Jérôme Bonaparte, inaugure avenue Montaigne une vaste demeure imitée des villas antiques et connue sous le nom de "maison pompéienne". Dans l'atrium, domine une représentation grandeur nature de l'Empereur en toge, tenant le Code civil, la tête laurée et un aigle à ses pieds.

On la retrouve dans un tableau de Gustave Boulanger conservé au musée d'Orsay intitulé Répétition du "Joueur de flûte" et de la "Femme de Diomède" chez le prince Napoléon (1861).
Ce dépôt est le plâtre original, une étude demeurée dans l'atelier de Guillaume, puis dans sa descendance jusqu'à sa donation en 2003 à la Fondation Napoléon.
La version en marbre, qui a subi d'importants dommages lors de l'incendie du palais des Tuileries en 1871, est aujourd'hui conservée au Napoleon Museum d'Arenenberg (Suisse).

Cliquez ici pour en savoir plus en consultant le site de la Fondation Napoléon.

En 2016, le musée d'Orsay a présenté pour la première fois dans ses murs l'ensemble de la donation de Zeineb et Jean-Pierre Marcie-Rivière consentie au cours de l'année 2010 et dont l'usufruit est tombé avec la disparition de Jean-Pierre Marcie-Rivière, le 6 janvier 2016.
Cette libéralité constitue un événement majeur dans l'histoire des collections publiques françaises.

La donation comprend 25 tableaux et 94 dessins de Bonnard ; 24 tableaux, 3 pastels et 2 dessins de Vuillard. Commencée dans les années 1960 par André Levy-Despas, le premier mari de Zeineb Kebaïli, la collection a été poursuivie pendant plus de quarante ans par Zeineb et Jean-Pierre Marcie-Rivière.
Elle exprime une sensibilité aux sujets intimes et aux compositions mystérieuses parfois jusqu'à l'hermétisme ou la caricature. Soirées musicales, portraits saisis sur le vif, intérieurs avec personnages, scènes urbaines, témoignent des correspondances étroites entre Bonnard et Vuillard au temps des Nabis.
Des tableaux de la maturité des deux artistes complètent cet ensemble d'oeuvres créées dans les années 1890.

Les tableaux de la donation sont actuellement présentés salle 9, niveau 0.
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Les arts décoratifs du Second Empire bénéficient d'une nouvelle présentation dans les salles 22 et 23 au rez-de-chaussée.

Dans une mise en scène opulente, meubles, vases et autres objets décoratifs témoignent des fastes et de l'inventivité qui caractérisent la période. Quelques tableaux complètent l'accrochage, portraits officiels ou évocation des intérieurs de l'époque.

En point d'orgue, le majestueux bénitier de cristal, cadeau de la Société de la cristallerie de Lyon à l'impératrice Eugénie lors de l'Exposition universelle de 1867, brille de mille feux dans une vitrine aux multiples miroirs conçue spécialement. Le public du musée d’Orsay avait pu découvrir cet objet monumental à l'occasion de l'exposition Spectaculaire Second Empire. Il fait partie du dépôt exceptionnel consenti par le Mobilier national au musée d'Orsay.

Le style Second Empire se caractérise par l'éclectisme des sources artistiques auxquelles il puise de l'Antiquité à la Renaissance jusqu'au XVIIIe siècle. Cette diversité s'affiche dans les intérieurs de l'aristocratie et d'une bourgeoisie triomphante enrichie par le négoce, l'industrie et la Banque. Les ameublements et la décoration intérieure connaissent une période faste qui reflète l'optimisme économique du règne de Napoléon III qui s'impose à Paris au travers de la politique d'urbanisation de la capitale dirigée par Haussmann.

Les progrès techniques et la supériorité des arts industriels s'affichent clairement lors des Expositions universelles dans lesquelles les nations rivalisent d'ingéniosité et de luxe. La place primordiale que la France conserve dans les arts décoratifs lui vaut une réputation d'excellence. Au niveau de l'Etat, les productions de la Manufacture de Sèvres restent l'un des meilleurs ambassadeurs du pays et servent régulièrement de cadeaux diplomatiques, participant à la légendaire "Fête Impériale".

Le Musée d'Orsay remercie le Mobilier national pour la mise en dépôt d'un ensemble exceptionnel de vases dans le cadre de la réouverture des salles d'Arts décoratifs Second Empire.

Galerie Seine
Créé en 1699, le Salon est dans la deuxième moitié du XIXe siècle l'exposition à la fois institutionnelle et populaire qui permet aux artistes de se faire connaître. Une séance du jury de peinture de Gervex montre l'importance de l'événement et de la réaction des membres du jury décernant des prix ou des critiques écrivant dans les journaux. Les collections du musée d'Orsay reflètent le goût officiel grâce aux nombreux tableaux acquis par l'Etat à l'issue du Salon pour le musée du Luxembourg, consacré à l'art contemporain de l'époque.

Longtemps considéré comme un lieu de promotion de l'académisme, le Salon permet en réalité la confrontation d'expérimentations artistiques diverses. Les artistes reprenant des sujets tirés de l'Antiquité ou de la Bible renouvellent les formules traditionnelles par le style et la composition, tel Elie Delaunay, tandis que d'autres privilégient la littérature ou des faits marquants de l'histoire nationale, comme Jean-Paul Laurens. Ces tableaux font ainsi écho aux innovations des avant-gardes et annoncent, par leur mise en scène, le cinéma du siècle suivant.

Les premières salles du parcours de visite qui viennent d'être rénovées sont désormais baptisées "Luxembourg" en souvenir d'un musée qui joua un rôle central dans la vie artistique française au XIXe siècle : le "Musée des artistes vivants" installé dans le palais et l'orangerie du Luxembourg, à Paris.

A partir de 1818, et jusqu'à la création du musée d'art moderne au palais de Tokyo en 1937, cette institution avait pour vocation d'abriter une partie des peintures, des sculptures puis des dessins achetés ou commandés par l'Etat à des artistes vivants ou morts depuis moins de dix ans, ainsi que des libéralités de particuliers.
Il s'agissait du plus important musée d'art contemporain au monde : l'opinion publique lui reconnaissait un rôle prescripteur, et l'honneur d'y voir ses œuvres exposées était le rêve de nombreux artistes, exclusivement français d'abord, avant que le musée ne s'ouvre progressivement aux artistes étrangers à partir des années 1860. En effet, l'entrée au Luxembourg leur donnait espoir de voir leurs oeuvres entrer un jour, après leur mort, au prestigieux musée du Louvre, le panthéon des artistes.

Si certains réformateurs de la peinture, tels Delacroix, Rodin, Ingres ou encore Gustave Moreau eurent cette chance assez tôt dans leur carrière, l'administration n'osa pas suivre toutes les avant-gardes de son temps : Courbet, Millet, Manet, Lautrec ou Van Gogh n'entrèrent jamais au Luxembourg de leur vivant.
A partir des années 1870, les critiques s'accentuèrent, accusant le musée d'ignorer les talents originaux et de se cantonner dans un art officiel académique. Gauguin, écarté lui aussi, méprisait le Luxembourg comme une "vaste prison, un lupanar obligatoire".

Il ne faut toutefois pas oublier l'action de directeurs éclairés tels Philippe de Chennevières ou Léonce Bénédite, ainsi que l'initiative de grands donateurs tels Gustave Caillebotte, Isaac de Camondo, Etienne Moreau-Nélaton et Alfred Chauchard qui surent combler les lacunes en faisant entrer dans les collections de l'Etat les peintres de Barbizon, Manet et les Impressionnistes. La collection actuelle du musée d'Orsay est l'héritage de cette histoire.

 

Depuis son inauguration en 1986, le musée d'Orsay n'avait jamais pu exposer deux oeuvres de Gauguin faisant partie de ses collections. Il s'agit de verres peints qui ne pouvaient être montrés en raison de leur état de conservation, ainsi que du manque d'espaces adéquats pour les accueillir. Aujourd'hui, après une longue restauration et la création de vitrines dédiées, les visiteurs peuvent enfin les admirer dans les salles.

Motifs floraux et végétaux et Tahitienne dans un paysage, datent de 1893, lorsque Gauguin s'installe à Paris après son premier séjour polynésien. Il poursuit alors ses recherches décoratives, initiées à la fin des années 1880 lorsqu'il décora les fenêtres de l'auberge de Marie Henry au Pouldu, et poursuivies à Tahiti en 1892 lorsqu'il peignit la vitre d'une maison.

A Paris, souhaitant sans doute s'entourer d'un décor exotique, il choisit cette fois comme support les portes vitrées de son atelier de la rue Vercingétorix et compose ces deux paysages. Ils resteront sur place une fois l'artiste reparti pour son dernier voyage en 1895 et ne seront déposés qu'en 1905. C'est finalement la veuve du peintre américain Harold English, leur dernier propriétaire, qui en fera don aux musées français en 1958.

Cette présentation constitue donc un véritable évènement car ces oeuvres sorties des réserves témoignent de l'une des préoccupations centrales de Gauguin, lui qui déclarait dans une lettre à son ami Daniel de Monfreid : "le vitrail simple attirant l'oeil par ses divisions de couleurs et de formes, voilà encore ce qu'il y a de mieux".