Louis Janmot, Il Poema dell’anima

Il Poema dell'anima, opera pittorica e letteraria allo stesso tempo, è il progetto di una vita, elaborato tra il 1835 e il 1881 dal pittore lionese Louis Janmot. Racconta l'epopea di un'anima sulla terra in trentaquattro dipinti e disegni, conservati presso il museo delle Belle Arti di Lione, che formano due serie distinte e accompagnate da altrettante poesie in versi. La mostra ci invita a esplorare la storia di quest'anima, intraprendere un viaggio iniziatico con i personaggi e seguirli nella loro ricerca di assoluto.

Presentato in parte all'Esposizione universale del 1855, notato da Charles Baudelaire e Théophile Gautier, il ciclo non otterrà mai il successo sperato. Janmot era troppo singolare per il suo tempo, come pensava Eugène Delacroix, ammiratore e difensore del Poema dell'anima? Nella mostra, una serie di «gabinetti» permette di esplorare le ispirazioni filosofiche, spirituali e letterarie del pittore-poeta e di scoprire le sue affinità con altri artisti, da William Blake a Odilon Redon, che ancorano bene il Poema dell'anima nel^XIXsecolo.

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I vent'anni di elaborazione del primo ciclo del Poema dell'anima avrebbero potuto dare vita a un insieme stilisticamente molto eterogeneo. Tuttavia, una grande coerenza visiva emerge da questa serie di diciotto dipinti. Gli sfondi evocano scenografie teatrali davanti alle quali i personaggi si muovono lateralmente, come se fossero su un palcoscenico, rafforzando così l'impressione di continuità.

Il pittore-poeta racconta così il percorso iniziatico di un'anima, nelle vesti di un giovane ragazzo vestito di rosa che vediamo crescere e muoversi di quadro in quadro. La sua ricerca esistenziale prevede l'incontro con la sua anima gemella – una giovane ragazza vestita di bianco – che, come lui, aspira al cielo, alla purezza e all'armonia. Seguiamo le tappe e le vicissitudini del loro viaggio: nascita, prima infanzia, educazione, amori nascenti e sogno di ideale. L'apparente tranquillità di questa prima serie, in contrasto con la seconda, è spesso contraddetta dai dettagli annidati nelle opere così come dai poemi in versi che sottolineano in ogni fase il carattere tragico del destino dell'anima.

Per il secondo ciclo del Poema dell'anima, Janmot abbandona la pittura per il disegno. Il carboncino viene associato a lumeggiature colorate, su fogli di dimensioni simili a quelle dei dipinti. Non si tratta più di cartoni preparatori, bensì di opere pienamente mature che sono in parte esposte ai Saloni del 1861 e del 1868.

L'atmosfera è più cupa, il che rafforza la scelta del mezzo. Segnato dalla perdita della donna che amava, il ragazzo affronta la disperazione. Cerca una via d'uscita nei piaceri, cede alla tentazione e al dubbio, ma trova solo sofferenza. Una fine felice e ambigua allo stesso tempo segna il culmine di questo percorso iniziatico: ritrova la sua amata in cielo.

Il tono pessimista fa eco alle difficoltà che lo stesso Janmot incontra. Il tono è anche più politico, in linea con l'evoluzione conservatrice degli ambienti cattolici degli anni 1860-1870.

I cicli dipinti sono solitamente progettati per inserirsi in un'architettura. Tra quelli che Janmot ha potuto conoscere durante la sua gioventù: la Storia di Psiche (1518) di Raffaello, per la Villa Farnesina a Roma, e la Vita di San Bruno di Eustache Le Sueur (1645-1648), per la certosa di Parigi (museo del Louvre). Tuttavia Il Poema dell’anima non si inserisce in nessun luogo specifico. È piuttosto l'alleanza della pittura e della poesia che presiede alla sua concezione, come nei "libri miniati" di William Blake. Pertanto, occorre piuttosto guardare alla letteratura e all'illustrazione per trovare le fonti di Janmot. L'artista si ispira alle poesie epiche e filosofiche del suo tempo, come La Caduta di un angelo di Alphonse de Lamartine (1838) o La Divina Epopea di Alexandre Soumet (1840), o alle grandi epopee europee interpretate dagli artisti romantici: La Divina Commedia di Dante (1303-1321), Il Paradiso perduto di John Milton (1667) o La Canzone dei Nibelunghi, leggenda medievale tedesca.

Nel corso del XIX secolo, soprattutto con il romanticismo e poi con il simbolismo, la rappresentazione dell'anima assume una notevole importanza. Gli artisti rispondono in vari modi allo stesso problema iconografico: come rappresentare un'entità immateriale, distinta dal corpo e avente un'esistenza oltre la morte? Di volta in volta, l'anima assume la forma di una figura femminile alata, allegoria della purezza e della spiritualità, oppure si materializza sotto forma di un'ombra o di un flusso che fuoriesce dal corpo. Janmot, da parte sua, la raffigura sotto le spoglie di un giovane ragazzo avente la capacità soprannaturale di innalzarsi verso il cielo. La leggerezza dell'anima liberata dalla gravità terrestre è il comune denominatore di varie opere. Le ali, attributo dell'anima, possono farla confondere con il suo doppio celeste, l'angelo custode, che riscuote un grande successo popolare nel XIX secolo, dalla letteratura per bambini e dai manuali di pietà alle più grandi opere letterarie e artistiche di allora.

Il lavoro di Janmot è caratterizzato dallo stesso archetipo femminile come fuori dal tempo, che si impone presto nelle sue creazioni. Se prende come modelli i suoi parenti, tra cui la sua moglie e le sue figlie, li trasforma nel corso dei suoi studi secondo il suo ideale estetico. Il suo gusto incrocia varie fonti formali: la perfezione del disegno del suo maestro Jean Auguste Dominique Ingres, l'antichità e la grazia della pittura rinascimentale fiorentina, in particolare quella di Sandro Botticelli.

Le figure femminili del Poema dell'anima mescolano i riferimenti alla Vergine, il cui culto conosce allora uno slancio fenomenale, e la letteratura, contemporanea o passata. Janmot si ispira molto direttamente alla La Divina Commedia del poeta fiorentino medievale Dante, che era allora molto popolare sia negli ambienti romantici che in quelli cattolici. Il percorso dell'eroe ne porta la traccia, ricerca di un'amata perduta che prende in prestito da Dante il nome di Beatrice.

Il paesaggio occupa un posto di rilievo nelle scene del Poema dell'anima; partecipa all'azione abbinandosi allo stato d'animo del personaggio principale. Anche se si è formato come pittore di storia, Janmot è sensibilizzato alla pratica del paesaggio da due dei suoi amici lionesi, Paul Flandrin e Florentin Servan. Al loro fianco, impara lo studio sulla natura per trovare motivi che riprenderà poi nelle sue composizioni.

La maggior parte degli scenari decorativi sono ispirati al Bugey. Situata nel dipartimento dell'Ain, non lontano da Lione, questa regione corrisponde, nella sua parte montuosa, all'estremità meridionale del Giura. Offre un aspetto contrastante che combina ripide scogliere, altopiano, prati verdi e paludi. Janmot è legato a questa regione, da dove la sua famiglia materna è originaria. D’estate, nel corso degli anni 1840 e 1850, soggiorna nel villaggio di Lacoux nella casa del suo amico Servan. Flandrin li raggiunge spesso e il trio lavora insieme nella campagna circostante.

Il sogno, molto presente in Il Poema dell'anima, è di volta in volta malinconico, mistico, sensuale; Si avventura anche in terre pericolose quando diventa un incubo, il titolo dato all'ottava composizione. Janmot è forse venuto a conoscenza di questo tema, allora popolare nella letteratura e nelle arti dell'epoca, attraverso le incisioni delle opere dei suoi predecessori, come lo svizzero Johann Heinrich Füssli, l'inglese William Blake o lo spagnolo Francisco de Goya. A sua volta, esplora i tormenti psichici e quello che verrà chiamato presto l’«inconscio».

L'artista ha potuto essere introdotto a questi temi da due amici medici alienisti, che troveranno un’eco presso i simbolisti, e poi, ai tempi della psicanalisi, presso i surrealisti. Odilon Redon ha frequentato Janmot e gli ha forse preso in prestito il suo gusto per il carboncino. Max Ernst e Salvador Dalí non hanno conosciuto Il Poema dell'anima. Tuttavia, Dalí ha espresso la sua curiosità per l'artista scoprendolo in una mostra nel 1968.